上海时装周秀场观察：“繁荣主义”的另一面

在上海时装周开始之前，“繁荣主义”这一趋势词汇开始在小红书上流行起来。作为小红书近年来在时装周期间固定推广的内容之一，“繁荣主义”一词由平台的时尚博主和内容博主从米兰、巴黎时装周一路带入上海时装周的内容报道中。

根据小红书平台的定义，“繁荣主义”是一种区别于“极繁主义”的风格表达。它并不以堆砌和过度装饰为目的，而是通过在穿搭中融入层次感和带有造型感的配饰，或运用鲜明的色彩碰撞以及材质对比，使简单的事物呈现出富有生命力的视觉效果。然而，在浏览相关内容时可以发现，许多人仍将“繁荣主义”与传统的“极繁主义”相混淆。鉴于两者在生命力表达上均围绕层次感展开，这种混淆在一定程度上可以理解。

不过，如果暂时搁置社交媒体平台为创造趋势词而赋予“繁荣主义”的时装意义，仅从其字面意义理解，倒是能够感受到当下时装创作者的一种共同愿景：尽管整体市场尚未摆脱困境，但设计师们已不满足于为维持商业运转而反复制作相似的作品，开始主动在设计风格和时装秀表达上寻求差异化——或者用“繁荣主义”的话来说，是主动拥抱一种更具生命力的美学表达。这一点不仅体现在国际时装周上，同样也体现在2027春夏上海时装周中。

本季上海时装周不乏值得关注的繁荣景象。首先是品牌Staffonly的回归。在连续数个季度以产品型录形式发布新系列之后，Staffonly再次回到上海时装周官方秀场举办时装秀。作为上海时装周中在秀场制作上投入较多心力的品牌之一，Staffonly本季围绕“没有可爱的义务”这一主题，以动物园中的动物和动物保育工作者为切入点，对动物与人类的关系进行了巧妙类比。在服装层面，层次、褶皱、色彩以及细节处理围绕动物饲养员的日常工作制服展开时装化想象；在秀场层面，Staffonly则将这份想象带入截然不同的场景：整场秀围绕一场虚拟的模特选角展开，有个性、有棱角的青年在系统化的面试培训下逐渐变为毫无特征的个体——正如最初的动物园对动物所做的那样。通过一场极具仪式感的秀，Staffonly再次让秀场成为充满创意的表演。这并非以固定模式延续数个季度的流水线式创意，而是一种力求不重复的创新尝试。尤其在有限的预算之下，Staffonly仍找到了使创意效果最大化的呈现方式，这一点值得肯定，也具有较强的感染力。

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Staffonly 2027春夏系列

从这个角度观察上海时装周期间的时装秀，“繁荣主义”确实成为部分设计师的秀场创作哲学。例如在何东旧居办秀的Jacques Wei，围绕“Sinic Fauvism（东方野兽主义）”这一融合概念展开，将何东旧居内的房间改造为一个个由鲜明色彩构成的纯粹空间。在色彩、廓形和材质选择上，Jacques Wei也更为大胆，以树脂材质诠释动物印花，用羽毛点缀夸张礼服的裙摆，让亮片和明艳色彩为观众带来感官刺激，即便不进行文本层面的研究与解读，也能感受到其试图传递的跳脱日常的美学表达。

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Jacques Wei 2027春夏系列

MarkGong秀场上的繁荣呈现为一种带有流行文化色彩的实质。这不仅源于系列本身的流行文化元素，也体现在秀场内外的诸多细节中。本季延续品牌“都市爱情”叙事，灵感部分取自Olivia Rodrigo专辑中关于爱情如何令人疯狂与痛苦的主题。大秀开始前，作为本季Labelhood举办场地的永源路街区已成为MarkGong女孩们的秀场——博主、买手与媒体编辑不约而同地穿着品牌过往季度服饰现身，成为摄影师追逐的焦点。秀场上，欧阳娜娜、Somi与何超莲同排看秀，构成上海时装周为数不多的“星光时刻”。这场秀罕见地延迟开场，在日程普遍准时的惯例中构成一个微小例外。当流行文化符号、明星效应与街区自发的穿着实践汇聚于同一场域，繁荣在此处不再仅是设计层面的修辞，而成为一种可被感知的现场氛围。

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MarkGong 2027春夏系列

ShuShu / Tong 2027春夏系列以“Darling Melancholy（亲爱的忧郁）”为题，灵感取自雅克·德米1964年的电影《瑟堡的雨伞》。影片中高饱和的粉、蓝、黄、红被转化为系列中的撞色线索，明亮的色丁、波点与平面印花彼此碰撞，使色彩不再承担单一的情绪注解，而是在并置中生成新的关系。20世纪60年代的视觉语汇延伸至花瓣边、花卉钉珠与图案之中，运动元素则以半透明空气层面料、插肩袖与九分喇叭裤的形式介入，为浪漫轮廓注入轻快节奏。值得留意的是，系列标题中的“忧郁”在实际呈现中并未指向沉重，秀场上始终是“甜蜜感”占据了主导。这种处理方式本身或许恰是“繁荣主义”的一种注脚：设计师选择以饱满的视觉能量回应复杂情绪，而非以晦暗消解明亮。

ShuShu/Tong 2027春夏系列

“繁荣主义”的表达在本季并不局限于对“丰富”的视觉追求，Xu Zhi和Samuel Guì Yang即提供了两种值得细读的样本。

Xu Zhi本季以“女孩”为题，将“睡衣”作为核心符号。设计师陈序之将提花真丝、棉质睡衣面料、蕾丝拼接与花卉钉珠刺绣并置，维多利亚时代的裙撑被内置进连衣裙与长裤之中，形成穹顶与钟形的雕塑感廓形。品牌标志性的编绳流苏化作保留毛边的斜裁布条，随步伐摇曳。整个系列同时引入20世纪90年代Grunge与Heroin Chic美学，以做旧牛仔、紧身T恤与军装夹克呈现另一种青春形象，男装亦通过蕾丝衬衫与外露平角衬裤将私密语言带入公共视野。秀场选址上海花园饭店百花厅，Art Deco彩色玻璃穹顶与环形动线构成一场关于“苏醒”的仪式。Xu Zhi对“女孩”的定义更接近一种细腻而脆弱的力量状态，这一姿态本身便是在主流审美体系之外开辟空间，与“繁荣主义”所强调的生命力表达形成内在呼应。

Xu Zhi 2027春夏系列

Samuel Guì Yang的繁荣则体现为文化叙事层面的纵深。该系列以“Green Snake（青蛇）”为题，主题取自徐克1993年的同名电影，借青蛇视角展开女性从懵懂到了悟的转变叙事。在具体呈现上，“水”与“蛇”构成两大核心意象：设计团队从南宋马远《水图》中提取“秋水回波”的流动线条，化为苎麻裙装上的“Tide回波”印花，水洗针织与渐变工艺则随身体移动呈现出江南雨季的氤氲质感；蛇的意象则催生了品牌首次引入的动物纹样，传递出蜕变与逾界的生命力。

Samuel Guì Yang 2027春夏系列

此外，作为近年来上海时尚行业较有代表性的新人设计师，陈思帆凭借个人品牌Chén SiFān获得Labelhood与抖音共同举办的抖音时尚设计师大赛“年度最佳突破中国设计师”奖项。这一获奖信息也传递出积极信号：对于节奏较慢的品牌而言，打磨自我并稳步向前，或许同样能够获得发展迅速的国内时装市场认可。

尽管设计师与行业从业者都在努力摆脱经济低迷的阴影，试图以新的系列和新的秀场体验重新强调个人风格与个性表达的必要性，但繁荣叙事之下的一些结构性问题并未因此得到解决。其中较值得关注的是时尚新人的缺席。

2027春夏上海时装周场馆

这一问题在与近期发布的几个奖项对比中尤为突出。9月，第十三届LVMH Prize将最高奖授予比利时设计师Julie Kegels，其同名品牌成立于2024年，创立仅两年便已进入全球38个销售点，电商销售占比达28%，并在此前一年增长85%。同期，中国设计师Zane Li（李赞）凭借品牌Lii获得Karl Lagerfeld Prize，品牌创立两年内年营收约50万美元，已进入12个国家的32家门店。Kegels与Li的共同特征在于个人风格鲜明，同时具备可被验证的商业逻辑。LVMH集团董事会及执行委员会成员Delphine Arnault在评价Kegels时明确指出，她是决赛选手中“营业额最高者之一”，这意味着“她的设计有真实的顾客”。

反观上海时装周的日程，“繁荣”的景象主要由观众熟悉的品牌提供，属于新鲜力量的、带有生命力的“繁荣”仍然缺席。Labelhood的日程变化即是一个可供观察的指标——此前各式新品牌曾密集占据日程，一天之内可以看到不同设计师颇具个性、甚至略显粗粝的时装表达，如今则已精简至一日两场，且基本由熟悉的设计师面孔呈现。这一收缩固然与市场环境有关，但其结果在于，新人设计师获得公开呈现与行业检验的机会正在收窄。

Labelhood与抖音共同举办“抖音时尚设计师大赛”

上海时装周结束后，在提出“繁荣主义”概念的社交平台上，一篇关于国内设计师奖项的讨论帖引发了关注。帖子提出的问题是：“如果连评选新浪潮都需要十年资历，中国设计师什么时候才能迎来下一波新浪潮？”

我们在时装周期间碰到的一个案例或可间接回应这一问题。一位从海外留学归来、已在海外获得奖项认可的新人设计师，希望回国通过比赛让更多人看见自己的设计，却未收获理想结果。其原因并非设计水准不足，而是作品与奖项的取向之间存在错位。这或许可以说明，当下的问题不在于新人缺乏能力或训练——这些新人普遍拥有国际视野与专业教育背景，部分人在表达成熟度上并不逊于已获市场认可的前辈——而在于评价体系与接纳机制是否愿意为无法被现有框架轻易归类的创作留出空间。

2027春夏上海时装周风尚夜现场

诚然，“繁荣主义”已成为本季上海时装周的一个流行词，但在对新事物的接纳与新生力量的吸收方面，上海时装周显然尚未走出低迷市场带来的保守倾向，整体仍围绕稳固既有运营体系展开。若创作无法嵌入这一体系，接纳便可能被视为风险。然而，“繁荣”不能仅依靠已有成功案例来支撑。Kegels与Li的案例恰恰表明，国际奖项体系在寻找的并非“稳妥的选择”，而是兼具个人辨识度与商业可行性的新声音。国内时尚行业是否愿意、以及如何为新声音提供类似的容错空间与验证机制，或许比“繁荣主义”作为一个趋势词的流行程度更值得追问。

总体而言，本季上海时装周确实可以感受到“繁荣主义”成为某种创作哲学与表达理念，也为仍处低迷的时装行业带来了一些值得回味的瞬间。但繁荣之外的那些事情同样重要。时装如同其他文化形式，需要不断迭代、向前——而迭代的前提，是新人有机会被看见、被讨论、被检验。

ICE

秀导

和我自身工作相关最大的感受是，更多品牌挣脱市场卖货趋势，回到品牌本身的发布，这一点对秀导来说令人欣喜。做品牌最大的依仗不是钱，是认知。流行什么做什么、单一审美走向，比如刻意在秀场上体现AI这类热点，对创意人员来说是很无奈的限制。也并非drama的造型、夸张的戏剧化刻板秀场造型才能产出创意舞台；当下更符合日常参考的造型搭配，对我个人而言，更大程度能唤起我对品牌的关键词印象。

说回秀场本身，模特选角好像更多元了。出现了很多老年模特、大码模特和非常规秀场身高的模特。但即使族群更加多元，但人选依然是之前常用或者出现过的面孔。大家都变得更小心了，那种没有海外成绩的新人模特在上海时装周一夜成名的欣欣向荣，当下甚为少见。

Bird

流行文化撰稿人、创意策划

相比前两季的萧条，本季品牌在秀场制作上呈现出更大的差异化。除对上海时装周与Labelhood官方场地进行更用心的改造之外，Xu Zhi、M Essential以及Jacques Wei等设计师品牌也以更具趣味的场地替代传统秀场空间。

然而在新系列呈现层面，上海时装周的许多设计师系列仍不免引人思考一个问题：无论是创意呈现还是风格表达，这些根植于中国本土市场的设计师已具备相当成熟、不输国际时装周的表达，但为何许多作品给人的感觉依旧是“差一口气”？这究竟源于市场差异，还是求稳的商业思维惯性所致？

Nini

选角导演

本次时装周在模特面试环节中，新面孔的比例较以往有所增加。这些新模特的台步表现亦优于以往的新人，而有经验的模特在走秀中同样表现得游刃有余。曾走过国际大牌的模特参与国内时装周时也保持着较高的职业水准。在面容取向上，当下品牌在选择时更倾向于具有个人特色且硬件条件匹配的模特。此外，我观察到面容偏好正重新回到偏清冷气质的面孔。

路人A

撰稿人

本季上海时装周是近几季以来感受最为“热闹”的一次。与以往不同，本季并无国际品牌加入，秀还是那些秀，人也还是那些人，但整体氛围确有微妙变化，恍惚间似乎恢复了几分此前的“繁荣景象”。无论是上海时装周组委会、Labelhood，还是showroom与设计师品牌，都将“创意”与“设计”延伸至秀场之外，使观众在下车的那一刻便提前感受到看秀的氛围。然而，有一个问题值得讨论：这种“繁荣”氛围在国内依然只辐射至小范围的场景与社交平台之中。中国设计师的作品已经走出行业内部、进入国际市场，为何在国内始终只是一小众人的“狂欢”？

徐小喵

时尚撰稿人、时装文化研究者

上海时装周眼下已经成为四大国际时装周外最值得关注的时尚圈盛事，但偶尔也会让人心生疑虑：对当下的时装设计师而言，打造一种可被归类为“美的公约数”的风格，是否是他们创作的本意？对于设计师而言，设计真的在如实地表达自我吗？抑或是说，为热闹而欢呼便已足够？

Une

YeaStaffonly创始人、设计师

本季上海时装周的国际声量迎来质的飞跃。我们的秀在官方日程一经发布便引来海量海外同业的垂询邮件，秀后更在社交平台上引发高频互动。这印证了中国设计正以独特的文化叙事，在全球版图上赢得更广泛的国际关注。

C-Oli

博主、公关公司GR8T合伙人

上海时装周，我们负责了Yangkehan和M Essential两个设计师品牌线下时装秀的公关工作。在我们看来，品牌对线下秀的传播价值，尤其是其带来的社交媒体关注，依然抱有积极预期。

这种投入也体现在对秀场形式的探索上。Yangkehan持续尝试通过空间与表演方式的变化，使观众更深入地进入新一季的创作语境。M Essential此前曾将秀场设在古典园林与百年建筑中，这一季又首次尝试以音乐剧场形式呈现，秀后嘉宾反馈十分热烈。对这两个品牌而言，如何观看一场秀，已成为如何理解一个系列的重要组成部分。从公关的角度来看，品牌在秀场体验上投入的心思，也会在后续邀约中得到回应。嘉宾记得上一场秀，也好奇这一季会有什么新的呈现，愿意在密集的行程中为品牌留出时间，这对我们来说是很直接的鼓励。