放过观众吧！这5位春晚“混子”演啥啥不行，难怪会遭到观众抵制

每逢岁末年初，央视春晚的消息总能成为社交场上的第一波热浪。就在12月10日，新一年的春晚动作有了官宣，甚至关于2026马年春晚的主题都已引发讨论。然而，在那铺天盖地的评论区里，无论是关于当年的主题还是两三年后的愿景，竟然都被同一个话题淹没了——那就是对这几年“春晚钉子户”们的集体吐槽。

比起期待谁来，观众更想知道谁“求求别来了”。这种呼声往年也有，但今年似乎格外震耳欲聋。评论区里很少有人真正关心晚会要讲什么宏大主题，反而是变成了一场大型的“翻车”盘点现场。有几位曾经让观众捧腹的老面孔，如今口碑跌到了谷底，甚至让不少人有了“听到名字就想换台”的生理性抗拒。

这种厌倦感的来源，并

非因为演员老了，而是因为那种“熟悉的配方”已经馊了。

首当其冲被观众拿出来“剖析”的，是已经在春晚舞台上站了二十多年的郭冬临。提起那个标志性的光头和高大的身板，很多80后、90后还能回想起他早期的风采。当年的他，凭借着一脸憨厚老实的“好男人”形象，确实给千家万户带去过真诚的笑声，“一句话能成事、一句话能败事”这样的台词，甚至一度成为了社会流行语。

但不知道从哪一年开始，郭冬临的小品陷入了一种无法自拔的死循环。这种循环不仅仅是“审美疲劳”四个字能概括的，而是一种刻板到令人窒息的“格式化”。

尤其是在他和黄杨搭档之后，一种固定的“女强男弱”夫妻模式就彻底锁死了他的戏路。不管每年的背景板怎么换，剧本的内核永远是一杯毫无波澜的白开水：故事总是围绕着家里那点零碎事儿展开，要么是私房钱，要么是邻里间的小摩擦。起初看似有冲突，中途必然经历一番这不想听、那不想说的误会。

更让观众感到如坐针毡的，是这些作品的处理方式。喜剧的本质被抛在一边，取而代之的是一场生硬的“道德讲堂”。不管前面的剧情有多闹腾，最后时刻一定要强行转折到煽情上，用并不高明的方式把一个充满裂痕的局面强行缝合成“大团圆”。有网友犀利地指出，现在看到那个光头一亮相，甚至还没开口，就已经预判到结尾要被“上课”了。这种为了煽情而煽情的套路，硬生生把他曾经积累的那些观众缘，消磨得一干二净。

如果说郭冬临的问题是“太稳”导致了平庸，那贾冰的翻车则来自于“太猛”带来的不适。

几年前，当贾冰还是春晚新人时，他确实像一股清流。那时候他不仅拿下了喜剧综艺的冠军，更是凭借一种独特的节奏感让不少观众眼前一亮，大家一度把他视为接棒老一辈喜剧人的“新希望”，甚至有媒体称赞他为春晚舞台注入了活力。2018年那个有点萌的“暖心老板”形象，至今还有人记得。

然而，这股新鲜感消退的速度，比预想中快得多。观众渐渐发现，贾冰似乎把“用力过猛”当成了风格。在后来的舞台上，不管演什么角色，不管是老板还是领导，他仿佛都像铁了心一样要把那套夸张的表情和嗓门贯彻到底。

特别是那个被无数网友当作反面教材的《风雪饺子情》，简直成了他口碑崩盘的分水岭。本来是一个传递温情的好立意，却被一场无比尴尬的表演毁了。在这十几分钟里，那句“包饺子”的频率之高，简直到了给观众洗脑的地步。从那以后，他的小品似乎就跟“饺子”和“大嗓门”杠上了。

有人细心统计过，贾冰近年来的作品逻辑变得极其单一：开场必须是大吼大叫、装腔作势，用夸张的肢体动作硬挠观众的胳肢窝。到了结尾，音乐一变，瞬间进入痛哭流涕的煽情环节。这种“前面闹剧、后面悲剧”的分裂感，让原本是图个乐呵的观众看得身心俱疲。甚至还有眼尖的人发现，某一年他竟然把几年前的旧剧本拿出来稍微改头换面，就当作新节目端了上来。这种“换汤不换药”甚至带着点糊弄意味的操作，让“喜头悲尾”成了贾冰甩不掉的负面标签。

除了这种结构上的崩坏，还有一类演员是倒在了自己引以为傲的“招牌”上。

孙涛，这个连续十几年亮相的“钉子户”，曾经靠着那一嗓子“我骄傲”确实名声大噪。加上后来的《你摊上事了》，他在春晚确实有过属于自己的高光时刻。按理说，作为一个老兵，应该更懂得打磨作品的重要性，但他似乎陷入了对“口头禅”的迷之依赖。

这些年看下来，你会发现他的表演被锁进了一个特定的格式里。那种带着点歇斯底里的夸张肢体动作，配合着必须要说出口的“我骄傲”，初看是笑点，连看几年就成了尴尬点。不管剧本怎么变，为了塞进这句话，常常要强行设计并不合理的情节，这种明显的刻意感让人非常出戏。

而且，孙涛近年来的创作似乎走入了一个误区：为了显得年轻、显得“潮”，开始疯狂地在台词里堆砌网络热梗。本意可能是为了顺应潮流，但那种生搬硬套的效果，就像是长辈为了强行融入年轻人聚会而学了几句并不合时宜的流行语，不仅不好笑，反而让人感到一丝心酸的尴尬。再加上他的作品结尾往往也不可免俗地走向“包饺子”式的强行和谐，教育人的比重甚至超过了逗乐的比重，这就难怪观众会产生抵触情绪。

不仅是小品界，相声界的“顶流”岳云鹏也面临着同样的信任危机。

想当年，那个把“贱萌”发挥到极致的小胖子，凭着一首《五环之歌》火遍大江南北，那种“耍贱”的风格在当时确实独树一帜。即便他在大场合的资历尚浅，观众也愿意用极其宽容的态度去宠溺他。

但这几年，这种宠溺似乎正在被消耗殆尽。不知是为了图省事还是灵感枯竭，岳云鹏的相声开始越来越像一种“碎片拼凑”。那个标志性的惊呼“我的天呐”，用一次是包袱，用十年就是敷衍。在某一次春晚舞台上，他甚至出现了忘词和频频笑场的情况，这对于专业相声演员来说是极其低级的失误，虽然粉丝可以用“呆萌”来解释，但在很多路人观众眼里，这就是能力滑坡和态度不端正的表现。

更让传统相声迷无法接受的是，现在他的节目里，真正的相声技巧如“说学逗唱”的基本功越来越少见，取而代之的是说着说着就开始唱歌。那些网络流行的口水歌、各种莫名其妙的热梗，填满了本该有着严谨结构的相声段子。评论区里有网友直言不讳：“如果是为了听歌，我为什么不去看来那边的歌舞类节目？”尽管每次活动下面都有粉丝替他辩解“经验不足”或者“风格使然”，但在竞争如此激烈的最高舞台，年年交出这样的答卷，显然难以服众。

如果说上面这些位还是因为创作乏力，那蔡明的处境则更多了一层因为形象风格固化带来的“人设崩塌”。

从早年间那个百变灵活的“机器人”开始，蔡明曾是春晚舞台上的一抹亮色。但随着年龄增长，她似乎彻底迷恋上了一种名为“毒舌”的人设。尤其是近几年，每当她出场，大多是扮演那些说话刻薄、斤斤计较、动不动就怼人的时髦老太太。

在与潘长江等老搭档的合作中，这种“毒舌女”和“受气包”的组合一度有不错的效果。然而，凡事过犹不及。那种尖锐刺耳的笑声，那种为了凸显个性而故意为之的咄咄逼人，看多了真的会让人产生心理上的烦躁。尤其是在当下，观众本来就反感现实生活中那些倚老卖老、不讲道理的人，蔡明偏偏要把这类特质在舞台上放大，美其名曰“刀子嘴豆腐心”，但呈现出来的效果却往往让人感到不适。

更遗憾的是，随着她对医美的执着，脸上那日渐僵硬的线条和不太自然的表情，也让她的表演丧失了曾经那种微表情里的灵动感。观众想看到的，是那个能演百味人生的老戏骨，而不是一个只有毒舌标签和生硬面容的符号。

当然，说到“符号化”，还得提一句冯巩。虽然是一代人的回忆，那句“我想死你们了”也确实能唤起条件反射般的掌声。但情怀这东西，就像存钱罐里的硬币，只拿不存终究会用光。二十年如一日的一句问候，固定的结构，以及那些稍微有些滞后的笑料，对于年轻一代来说，可能更像是一种例行公事的“打卡”。

还有一个不得不提的名字是邵峰。他从2007年开始也算是春晚常客，给郭冬临当过绿叶，跟过各路大咖，但十几年下来，他在观众心中的印象始终模糊。他就像一块合格的背景板，要么受气，要么负责打岔，没有一个立得住的主角形象。对于春晚这样一个寸土寸金的舞台，如果没有绝活，只是为了混个脸熟，那观众发问“凭什么年年是他”，也就不足为奇了。

其实，并不是观众变得刻薄了，也不是大家容不下老演员。

如赵本山、宋丹丹那些经典作品，至今还在网络上被年轻人反复回味，甚至做成鬼畜视频传播，这就足以证明，观众真正反感的不是那张脸老了，而是那个灵魂旧了。

当网络时代的段子迭代速度以天为单位计算时，这些“钉子户”们如果还抱着十几年前的旧剧本、老套路，试图用强行煽情、网络烂梗和陈旧的口头禅来糊弄观众，那收获的自然只能是满屏的吐槽。

观众的审美早已不再是只要有个动静就鼓掌的年代。大家真正想看到的，是有血有肉、真正从生活中提炼幽默，并且尊重观众智商的作品。如果所谓的“压轴大咖”们只能提供尴尬的说教和僵硬的表演，那还不如把舞台留给那些更有创造力的新面孔。毕竟，春晚不仅是用来怀旧的，更是用来辞旧迎新的。在观众一次次的“求放过”声中，或许也藏着对高质量喜剧最朴素的渴望。