Louis Vuitton 重写“家”的叙事

巴黎与卢浮宫的关系无需赘言。作为全球访问量最高的博物馆，它不仅是艺术收藏的殿堂，更是一种文化权力的隐喻：在这里，历史被层叠、修复、再叙述，成为文明的舞台。

Nicolas Ghesquière 将 Louis Vuitton 2026 春夏女装系列置于卢浮宫的 Appartement d’été d’Anne d’Autriche（安娜·奥地利夏季寓所），是一次极具象征性的文化手势。他把一场时装秀转化为一次空间叙事的再造：当下与历史、亲密与权力、私人领域与公共盛典，在同一空间交织。

Anne d’Autriche（安娜·奥地利）是谁？她是“太阳王” Louis XIV （路易十四）的母亲，更是 17 世纪法国政治舞台上的关键人物。作为王后与摄政者，她既象征着国家的权力秩序，同时也拥有属于自己的私密世界。她的夏季公寓位于卢浮宫的一隅，内部铺陈大理石地面，点缀着精美壁画和雕塑。几个世纪以来，它既是历史遗迹，也是对“私人生活”与“权力空间”之间张力的最好注解。如今，它成为 Louis Vuitton 的舞台，被重新激活。

舞美设计师 Marie-Anne Derville 在这一空间中引入了跨越数个世纪的装饰物：18 世纪家具大师 Georges Jacob 的杰作、装饰艺术时期 Michel Dufet 的座椅、19 世纪陶艺家 Pierre-Adrien Dalpayrat 的瓷器，以及当代艺术家 Robert Wilson 的作品。这种布置不仅是视觉层面的装饰，更是一种时间性的拼贴 —— 仿佛 18 世纪的余韵、19 世纪的工艺与 20 世纪的现代主义在此共处。观众在行走之间，感受到的并非单纯的历史回溯，而是一种“从 18 世纪延伸至当下的法式品味沉浸”。

这种空间逻辑正与 Ghesquière 的创作方法契合：他总在过去与未来之间搭建桥梁，让历史符号映照未来线条，民俗气息转化为建筑化的廓形。他拒绝“复古”或“未来”的单一姿态，而是发展出一种 retro-futurism —— 复古未来主义的美学，将时尚置于时间的缝隙中，既回望，又前行。

更重要的是，这一选址所折射出的，是“亲密”的悖论。在如此宏伟、甚至森严的巴洛克空间中去谈论“私密”，似乎近乎荒谬。但这正是 Ghesquière 的企图：用最为壮丽的背景，衬托最为细腻的亲密。正如他在后台所说，“将亲密视作一种生活艺术（art de vivre）。”这种“生活的艺术”并非廉价的日常化，而是奢侈与亲密的叠加：它属于国王与王后，但同样也属于那些想与衣物建立联系的人们。

音乐与声音则赋予了这场大秀以情感的温度和文化的深度。秀场的开场，不是炫目的灯光或激烈的鼓点，而是 Cate Blanchett 那冷静、沉稳而磁性的声音，朗诵着 Talking Heads 1983 年的歌曲 This Must Be the Place 的歌词。在卢浮宫的石壁与拱顶间，这一首流行乐曲的片段，被重新转化为一段跨越时空的文化诵读。

自 1983 年问世以来，This Must Be the Place 一直被视作 Talking Heads 最“温柔”的作品。不同于乐队以往充满讽刺和批判的音乐语言，这首歌是一封关于“家”的另类情书。歌词中写道“Home is where I want to be”，既浪漫，又带有现代主义式的疏离感。它谈论归属，却并不完全沉溺于传统的家庭叙事；它强调家的渴望，同时又暗示家的脆弱与虚拟性。对于 Ghesquière 而言，这首歌成为对系列主题的完美注脚：家的概念并不局限于物理空间，而是某种精神性的庇护所，一种亲密与自由并存的状态。

选择 Blanchett 来朗诵歌词，显然是 Ghesquière 的又一符号性举动。作为当代电影界的女王，她曾在银幕上演绎伊丽莎白一世、海拉等角色，其声音同样充满戏剧张力，足以将一首流行歌曲的歌词转化为文化文本。在这一历史空间中，她的朗诵与 Anne d’Autriche 的真实身份形成呼应：一位是 17 世纪的王后，另一位则是当下的“女魔王”，为古老的场域注入新的注解。

这种声音的转换，将流行文化的“轻”与高雅艺术的“重”连接起来。Talking Heads 的歌原本属于那个年代的另类摇滚语境，而朗诵的方式转述则带有某种仪式感。这是一种从 pop culture 到 high culture 的跨越，让一首关于“家”的歌曲，成为卢浮宫空间中的文化宣言。在大理石的反射与拱顶的回音中，歌词“Home is where I want to be, but I guess I’m already there”显得尤为意味深长。当这些词句被朗诵出来，观众所感受到的“家”，已经不再是一个局限的物理居所，而是一种存在的状态。

在这样的环境下，“家”是一种可流动的概念。它既是每一位观众的内心归属，也是时装本身所提供的亲密庇护。通过音乐与空间的结合，秀场构建出了一种新的亲密维度：一种可以与历史对话、同时又为个体提供慰藉的“居所”。

2026 春夏女装系列的落脚点不是宇宙、Cyberpunk 或科技，而是“家”。这是一种看似极端的转向：从对未知世界的投射，转移到最日常、最私密的居所。然而，Ghesquière 从未背离他一贯的实验性。那些睡袍式的 One piece、内衣化的吊带裙、松弛的短裤，原本与居家场景有关，但在他的处理下，成为体量复杂、结构雕塑化的造型。

在整体轮廓上，始终保持“双重性” —— 纱质的睡衣长袍带着黑色滚边，轻盈飘动，却搭配上肩部犀利的线条，形成力量与柔软的对抗；看似浪漫的彼得潘领口被拉长、变尖，成为锋利的符号；灯笼形的裙摆被赋予厚重面料，悬垂效果仿佛带着重量感；甚至那些看似随意的睡袍式开衫，也在面料选择上显露出实验性：泰迪熊质感的毛绒被制成浴袍般的大衣，上面点缀着水晶刺绣，如同宫殿壁画中坠落的花瓣，被定格在布料之上。而其中一套关键造型被推向极致：一件米色针织胸衣被塑造成硬挺的建筑轮廓，下缘翻卷成波浪般的褶饰，宛若石膏浮雕的边框，又似未完成的古典檐口。领口以精密的镂空织物收束，如雕花般贴合颈部，与宽松的长裤形成强烈反差。模特手中的手袋更像一件微缩建筑模型，以条纹织物与 Monogram 印花勾勒，延续整身的结构逻辑。

每一件作品都游走于轻与重、亲密与仪式、家与舞台的边界。Ghesquière 借由这些造型，将空间中的视觉语汇直接引入服装。灰泥墙壁的纹理，被转译为厚重刺绣的肌理；家具木纹的线条，被简化成木质圆片点缀在裤装与下摆；印象派绘画的色彩氤氲，被流苏与珠饰模糊处理成渐变的幻象。仿佛一座房间的壁画、窗帘与装饰，都被拆解重组为服装的语汇。

其中最引人注目的，是 Ghesquière 对材质的操控。表面看似皮草的长袍，其实完全由刷制丝绸制成，每一根纤维都经手工打磨，呈现出毛茸茸的触感，却比真正的皮草更加轻盈。流苏连体衣以无数极细的珠串组合，渐变形成印象派般的风景画，随着模特的行走而波动，宛若空气中的绘画。针织在本季成为主角，不再是辅助性的内搭，而是被塑造成包袋、外套甚至裙装，三维的结构凸显了手工工艺的张力。

手袋的设计同样值得玩味。不同于往常标志性的 Logo 包，本季的许多手袋被处理得极为简洁，看上去更像洗漱包或针织挎包。它们不再是炫耀身份的符号，而是一种私人性的物件，如同随身的日记本或一件贴身的摆设。低调之中反而流露出更贴近身体、更亲近情绪的姿态。手袋与衣服的关系，也在于共同强调“为自己”的主题。它们似乎在暗示：时尚最动人的时刻，不是被别人看见，而是当你独自触摸、独自使用时，那种无声的愉悦。

压轴造型的细节进一步强化了“时间”的主题。在模特腰间，悬挂着一枚由意大利设计师 Gae Aulenti 在 1988 年为品牌创作的时计。这枚历史藏品的出现，犹如一个具象的注脚：Ghesquière 在 Louis Vuitton 的创作，始终是一场穿越时间的实验。他从 17 世纪的王室寓所汲取灵感，也从 20 世纪的设计遗产中寻找线索，并将二者编织进当代的语境。

这一切最终都指向工艺。无论是丝绸的刷制、针织的三维建构，还是流苏与宝石的镶嵌，每一道工序都透着极致的人工痕迹。工艺不再只是奢侈品的标准，而是作品与艺术的界限模糊之处。欣赏 Ghesquière 的设计，如同凝视一件艺术品：它们在时间与空间中被赋予意义，在身体之上得到延展。

与卢浮宫的环境相结合，这种艺术性被进一步放大。观众此刻所经历的，不再是一场单纯的时装秀，而像是在穿行于一场策展：壁画与服装互为映照，雕塑与模特并肩而立，历史与当代在同一视野重叠。服装成为空间的注脚，空间也反过来为服装提供语境。最终，观众面对的是一场浸入式的艺术体验 —— 一次关于时间、工艺与居所的重写。

撰文Makoto Li

编辑Leandra